Perico ripiao

Se denomina perico ripiao a un conjunto de tres o cuatro músicos que ejecutan ritmos folclóricos dominicanos, especialmente merengue, mangulina y carabiné, utilizando instrumentos como la tambora, la güira o el acordeón. Es frecuente agregar una marimba, que hace las veces de bajo, y a principios del siglo XX se incorporó también el saxofón.

Hay diversas explicaciones para el origen del nombre de este estilo. El perico (loro) es un ave cuya carne era consumida por los campesinos. La comparación con el animal reflejaría la sencillez y carácter popular de esta música. Otra teoría dice que en Santiago de los Caballeros (República Dominicana) existió una casa de citas llamada Perico Ripiao, de donde procedería el nombre.

Merengue Dominicano

Merengue

El merengue es un estilo musical y de baile originado en el caribe, específicamente en la República Dominicana a fines del siglo XIX.

El origen de la palabra merengue se remonta a la época de la colonia y proviene del vocablo muserengue o tamtan mouringue, nombre que se daba a los bailes entre algunas de las culturas africanas que, traídas desde las costas de Guinea, llegaron a la costa atlántica colombiana y venezolana.

En sus orígenes, el merengue era interpretado con guitarras. Años mas tarde, las guitarras fueron sustituidas por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora(tambor de dos parches), y la taína o aborigen por la güira.

Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la Linea Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo veinte. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el saxofón y mas tarde con la aparicion de orquestas con complejas secciones de vientos. Este ritmo ha tenido actores notables como Luis Alberti, Johnny Ventura, Félix del Rosario, Wilfrido Vargas, Olga Tañón, y Juan Luis Guerra.

La isla que comprende los países de Haití y la República Dominicana ha producido grandes sonidos a través de los siglos. Dentro del ambiente de la música bailable afrocaribeña, el género dominicano del merengue ha jugado un papel muy importante. Como la contradanza y el danzón cubano, el merengue emergió en la zona de Santiago de los Caballeros, en la región conocida como Cibao, como descendiente de una mezcla entre ritmos de África negra y de la "contradanse" europea durante la mitad del siglo diecinueve y siguió absorbiendo más elementos africanos y criollos. Como baile, el merengue es mucho más sencillo y menos asincopado que sus primos cubanos, consistiendo en una danza de dos pasos. Su historia esta repleta de esfuerzos y penas sociales y políticas, un tema mejor reservado para mayor investigación, pero su desarrollo como género popular es crucial a la evolución de la música afrocaribeña.

Origen musical

El merengue tiene elementos de la contradanza, la mazurca y el vals europeo, cuya influencia se extendió por Haití, Venezuela y las Antillas, donde se acompañaba con instrumentos típicos como el tiple, la bordona, el cuatro, el seis y el doce, más tarde, con la tambora, el güiro, la bandurria y el acordeón. Según algunos, nació como una melodía criolla tras la batalla de Talanquera donde triunfaron los dominicanos.

El merengue procede de una de las partes de una melodía llamada UPA Habanera con origen en África Occidental, que pasó a Puerto Rico y Venezuela, de donde llegó a Santo Domingo a mediados del siglo XIX, entre 1838 y 1849.[cita requerida] Este baile tenía un movimiento llamado merengue que le dio el nombre al baile actual. En 1844 el merengue aún no era popular, pero en 1850 ya se puso de moda y fue bien acogido entre los dominicanos. En la década de 1850 se desencadenó una campaña en contra del merengue, que ya se había ido difundiendo entre las masas populares pero que era rechazado por la clase alta por su vinculación con la música africana y por sus letras picarescas y vulgares.

Evolución

El merengue era una danza festiva, para divertirse, por lo que se extendió rápidamente entre las fiestas del pueblo, por lo que el rechazo inicial fue vencido. En 1875 Ulises Espaillat inició otra campaña contra este baile que fracasó estrepitosamente, pues éste ya había cautivado a toda la región de Cibao, considerada hoy cuna del merengue. A principios del siglo XX, músicos cultos y muy populares como Juan Espínola y Julio Alberto Hernández apoyaron la difusión del merengue en los salones de baile.

Su éxito no fue inmediato ya que a pesar de que establecieron la forma musical del merengue, no pudieron conseguir que el merengue penetrara en la alta sociedad y se considerara como una creación del pueblo dominicano. Pero a partir de 1930, el merengue logró difundirse en zonas donde antes era desconocido, en parte gracias al reciente uso de la radio y al gusto del dictador Rafael Leonidas Trujillo por esa forma de baile . A pesar de esto, la alta sociedad dominicana siguió sin aceptarlo hasta que una familia de buena posición solicitó al músico Luis Alberti que compusiera un merengue de letra decente para amenizar una de sus fiestas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país.

Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de merengue: el merengue folclórico o tipico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas figuras para este baile de salón.

Estructura musical

El merengue se toca en tiempo moderado, compás rápido y ritmo binario, alternando estrofas y estribillos y su estructura estaba compuesta por el paseo, que ha sido suprimido, el merengue, que se ha alargado, y el jaleo, modificado. En torno a la rítmica del merengue se ha generado una extensa y aún viva polémica, ya que coexisten dos formas de ejecución. Determinados músicos prefieren ejecutarlo en 2/4, mientras otros lo ejecutan en 4/4.

Primera Forma de Estilo Merengue

El Perico Ripiao (también conocido como el merengue típico) fue la primera forma de merengue y su origen es en los campos del cibao. El Perico Ripiao se toca con guira, tambora y acordeón (también dicho como "fiestas de accordion"). Los cantos del perico ripiao son diferentes al merengue de orquesta o de banda. Los cantos son en forma de décimas y son versos simples con frases poéticas. El perico ripiao tiene ritmo rápido y es mucho mas popular en el cibao (en los campos cibaenos) que en la capital de la republica.

El Merengue hoy

Para el año 1980, el merengue empieza el periodo llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y caracter. Algunos de los artistas más destacados son Wilfrido Vargas, Johnny Ventura, Sergio Vargas, Los Hermanos Rosario, Olga Tañon,Los Melódicos, Conjunto Quisqueya, Fernando Villalona,Eddy Herrera ,Milly Quezada, Hector Acosta (El Torito), Ruby Pérez, Rikarena, Jochy Hernández, Jossie Esteban y la Patrulla 15, Las chicas del Can, Liz y su Banda Show,y por supuesto el popularísimo Juan Luis Guerra entre otros. Estos llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos.

historia de la bachata

La bachata es una música de guitarra popular de la República Dominicana, hoy en día de manera abrumadora ha ganado auge entre los latinos que viven en los Estados Unidos. La bachata tomó forma a lo largo de un periodo de al menos cuarenta años en los bares y burdeles de Santo Domingo, sin ganar aceptación en su tierra natal hasta al menos hace diez años. Grupos jóvenes como Aventura tienen una relación casi directa con la bachata original, similar a la relación de los rock and rolleros con el blues.
De hecho, el paralelismo entre la bachata y el blues es marcado. Aunque la bachata tuvo un desarrollo único, los bachateros han tocado una gran variedad de ritmos diferentes, podria mencionarse entre ellos al merengue. La música que se conoce como bachata es una variante del bolero. En la cultura Latina el bolero ha sido tradicionalmente una música romántica, que estaba relacionada con temas como la decepción y el amor perdido. El bachatero, al igual que el cantante de blues, canta sobre el dolor y el problema; una diferencia sin embargo es que mientras el cantante de blues aborda un tren hacia el sur y se mantiene en movimiento, el bachatero se va al bar más cercano y busca consuelo en una botella de ron en una esquina oscura.
El género atravesó por varias fases desde que José Manuel Calderón grabó lo que se reconoce generalmente como el primer sencillo de bachata (“Borracho de amor” y “Que será de mi (Condena)”) en 1961. En realidad, mucho antes de Calderón, la música de guitarra era la música de elección en los lugares de mala fama que llegaron a ser el hogar de la bachata. La música de guitarra como el bolero y el son fueron también el elemento básico del campo y con la muerte del dictador Rafael Trujillo en 1961 un gran número de músicos abandonaron el campo para dedicarse a grabar su música en la capital. La familia del dictador había monopolizado virtualmente la industria de la música en el país, y cuando él fue asesinado, los empresarios comenzaron a grabar a la primera generación de bachateros. A estas alturas no se hacía referencia a esta música como bachata, sino más bien como “bolero campesino”. Para posteriormete llamarse Bachata -la palabra bachata denotaba originalmente un grupo informal en el que se tocaba generalmente la música de guitarra.


Bachata Romántica
Los bachateros de la línea abajo, con Anthony Santos a su cabeza, continuaron disfrutando el éxito a lo largo de la década de los 90s, y la bachata prosiguió para llegar a ser tanto más sencilla como más romántica que antes. La audiencia de la música creció también, y con cada paso hacia un mercado mayor el género se retiró de los estilos de cabaret y doble sentido que habían sido tan importantes en su consolidación. Probablemente fue con el álbum de Teodoro Reyes, “El Cieguito Sabio”, en 1992, que la clase media dominicana comenzó a aceptar la bachata genuina (ya que se opuso al “tecno-“) como ella misma, tanto en la República Dominicana como en Nueva York. Reyes había estado cantando y componiendo bachatas por muchos años, y había escrito algunas de las canciones de doble sentido más descaradas que se grabaron alguna vez. Las canciones en “El Cieguito Sabio”, sin embargo, mientras ciertamente la bachata de cabaret en varios casos, eran lo suficientemente románticas y melódicas como para tocar los sentimientos en segmentos de la sociedad que nunca antes tenían la disposición de aceptar a la bachata. El estilo de los arreglos, también, continuaron el proceso de simplificación que había comenzado con Blas Durán y continuó pasando por Anthony Santos, Luis Vargas y Raulín Rodriguez. Durante la década de los 70s, la guitarra principal en los arreglos de guitarra estaban hechas por Edilio Paredes y Augusto Santos había estado ocupado contestando al cantante, repitiendo al cantante, e indicando cambios armónicos; los arreglos de Reyes estaban entre los primeros en contener un patrón de arpegio rítmico y sencillo mientras el cantante cantaba, un patrón que permanece como estándar en la bachata de estos días. El requinto había llegado a ser un instrumento de percusión.
A mediados de la década de los 90s, la bachata dio otra vuelta hacia el romanticismo con la crecida de Joe Veras. Veras cantaba con una voz suave que contrastaba con el tradicional, casi lúgubre estilo de cantar bachata que había sido popularizado por Luís Segura. Veras es el autor de la mayoría de sus canciones. Sus letras, a medida que se mostraba la inteligencia de la calle que los bachateros habían reclamado siempre, eran más cuidadosamente construidas y mostraban una estética más relacionada a la clase media. El estilo de Veras al tocar la guitarra también se diferenciaba considerablemente del estilo de los bachateros de la línea abajo, y en su tercera producción su interpretación de “Necesito Saber” de Camilo Sesto demostró la importancia de la balada para el trabajo de Veras.
Con la Influencia de bachateros como Veras, la bachata llegó a ser esencialmente una música romántica para los finales de la década de los 90s. Muchas canciones de bachateros tienen que ver con un tema y solo un tema—amor por lo general, amor no correspondido. Dos de los intérpretes más exitoso de este estilo de bachata fueron Frank Reyes y Zacarias Ferreira. Reyes incluso grabó algunas de sus canciones como baladas, de la misma manera que Anthony Santos y Raulín Rodriguez, ocultando más las diferencias entre ambos géneros. La audiencia de la bachata, sin embargo, continua resistiendo una fusión directa de la bachata con la balada, como se evidenció por la realización decepcionante de “Adiós” de Ferreira, un álbum en el que intentó disfrazar a la bachata con adornos de una balada tradicional como una sección de cuerda sintetizada.

Tecno-bachata
A finales de la década de los 80s, como la popularidad y simultáneo crecimiento notorio de la bachata, un grupo de músicos de clase media comenzaron a tomar interés en ella. Sonia Silvestre, Victor Victor, Luis Dias y Juan Luis Guerra fueron los más prominentes de este grupo, y grabaron canciones en la época del bolero variando grados de similitud a la propia bachata. Particularmente Guerra fue fenomenalmente exitoso, y su producción Bachata rosa fue un éxito en Europa, Estados Unidos y a lo largo de toda América Latina.
La tecno-bachata no hizo una contribución voluminosa al repertorio de la música, habiendo sido más bien un experimento de poca duración (aunque Guerra inspiró a algunos tecno-bachateros posteriores como Felix D’Oleo). La mayoría de los músicos que grababan tecno-bachata no eran ni estricta ni únicamente bachateros, y continuaron grabando como siempre lo hacían, en un amplio rango de estilos. La importancia de la tecno-bachata reside en el hecho de que la sociedad dominante comenzó a aceptar al menos algo de la bachata después del enorme éxito de la música de Guerra. Los tecno-bachateros pueden haber provocado algún impacto en los valores de la producción de la bachata también, aunque después de que Blas Durán introdujo las grabaciones multi-pista, éstas comenzaron a mejorar a ritmo constante. Aunque el impacto de estas contribuciones en el género pueden haber sido exageradas en la época por los medios de la clase media, que buscaban naturalmente los motivos para la recientemente encontrada legitimidad de la bachata. El hecho es que la música siempre tuvo una audiencia significativa, tal vez la audiencia nacional más significativa en la República Dominicana, y en la época en la que Guerra y Silvestre grabaron su tecno-bachata.


Bachata de Cabaret
En la República Dominicana, un cabaret es un burdel, y el burdel llegó a ser el local principal de la bachata. Los guitarristas dominicanos de las generaciones de la pre-bachata relatan que la guitarra fue siempre el instrumento más cercanamente relacionado con la bebida y la prostitución, y en realidad ese es el caso a lo largo de América Latina. Pero tal vez el cabaret no tomó un rol tan central en ningún otro estilo de guitarra.
Aunque la música de guitarra puede ser la música de elección para las borracheras latinoamericanas, los bachateros no cercaron de buena gana su territorio en el burdel. Más bien ellos fueron conducidos allí, algunas veces por condiciones sociales y fuerzas comerciales y algunas veces un poco intencionalmente por promotores de otros tipos de música. Desde su comienzo, la bachata fue la música preferida en los campos. Después de la muerte de Trujillo una migración masiva del campo a la ciudad tomó lugar, donde los campesinos vivían en los barrios más pobres y más marginados, a menudo sin agua, electricidad, o cualquier otro tipo de servicio público. La guitarra, ya asociada con las canciones de desolación y desesperación cantadas por personas como Felipe Rodríguez, también comenzó a ser asociada con la pobreza, y con el supuesto retraso de la población rural. Los promotores de la salsa y el merengue tomaron ventaja de esta percepción, y comenzaron a referirse a la bachata como cachivache (algo sin valor, una baratija) y música de guardia (música de soldados, la música que escuchaban los soldados de bajo rango mientras bebían en los burdeles). Entre la percepción que el público tenía de ésta como subdesarrollada y la campaña activa, se prosiguió contra ésta mediante la industria del merengue, la bachata fue relegada al cabaret y llegó a ser una oveja negra en su propio país.
Naturalmente, la música empezó a reflejar el ambiente en el que se tocaba. Una generación completa de bachateros cantan hablando de amantes que son prostitutas, peleas y celos entre amantes, pobreza y los problemas de vivir en los peores y más peligrosos barrios en la ciudad, la desesperación y el libertinaje. Los bachateros de este período también cantaban canciones de despecho, insultando a un amante que los dejaron plantados, así como desafíos e insultos a otros bachateros. Casi cada bachatero antes de 1990 hizo algún trabajo en este estilo, y ciertamente Luís Segura puede ser considerado en un sentido un bachatero de cabaret; pero los bachateros que definieron más este estilo incluyeron a Marino Pérez (Nadie me quita esa hembra) , Bolivar Peralta, Blas Durán (
Equivocada) , y Mélida Rodriguez. Rodríguez nos da una rara vislumbre (en la bachata) dentro de la experiencia de la mujer en el cabaret.
Fue con la bachata de cabaret que el género comenzó a consolidarse, a medida que los bachateros insertaban temas que no podían ser considerados de ninguna manera apropiados para el bolero. Existieron boleristas que se relacionaron específicamente con el bar y el burdel, como Felipe Rodríguez y Blanca Iris Villafañe, y su música fue la precursora para esta fase en la historia de la bachata. Sin embargo su música había sido grabada con el refinamiento del estilo del bolero, y cantada en español estándar. Los bachateros de cabaret eran genios en su uso de jergas y expresiones callejeras para insultarse entre ellos o evocar el mundo en el que estuvieron viviendo. Marino Pérez, quien se quejaba constantemente hasta morir cuando vomitó completamente su hígado, era particularmente adepto a esta clase de composición, y fue uno de los modelos para una generación completa.
Musicalmente, la bachata que surgió del cabaret era generalmente tosca y a menudo grabada en una sola toma utilizando un micrófono. La estética exigió sentimiento y sabor más que un producto pulido; esto fue debido por supuesto, en parte, a la pobreza de muchos de los músicos y productores que no podían pagar una segunda toma. (Existieron excepciones, como el trabajo hecho en el primer periodo de la bachata por Cuco Valoy, que se llamaba a si mismo “El Pupi de Quisqueya”, que estaba basado en el bolero, tocaba y grababa con un extremo cuidado, y completamente “de cabaret”). La música también llegó a ser, para la mayor parte, más sencilla y rápida. La guitarra solista fue siempre animada y vistosa, especialmente cuando era grabada por virtuosos como Edilio Paredes o Augusto Santos (
Olvida ese hombre) , pero la composición armónica de muchas canciones consistía de dos o tres cuerdas, y a menudo tenían estructuras y melodías similares. Por un lado esto se debía a la informalidad económica de la bachata – muchos bachateros grababan las canciones de otros bachateros, o grababan la misma canción varias veces, o simplemente cambiaban las letras a una melodía que ya había tenido éxito alguna vez. Las voces también eran toscas, algunas veces fuera de tono. Sin embargo, la bachata de este periodo es algo de la música más única y remarcable en la historia de América Latina. No censurados por las compañías discográficas, ignorados por la sociedad dominante, los bachateros contaron casi libremente y de manera abierta la historia de una vida de pobreza y marginación.
A medida que terminaba la década de los setentas y comenzaba la década de los ochentas, la bachata se volvía cada vez más bailable, nuevamente una innovación inspirada por Edilio Paredes y otros músicos de estudio en respuesta al gusto del público. Un estilo conocido como el genuino, que consistía de una progresión a I-VI7-ii-V7, llegó a ser extremadamente popular en la bachata de cabaret alrededor de esta época y continuó siéndolo por muchos años, incluso pasada la introducción de la guitarra eléctrica dentro del género. Juan Bautista, Teodoro Reyes y en alguna magnitud Luís Vargas continuaron siendo bachateros de cabaret en la era moderna, y uno puede imaginar que la bachata, al igual que el blues, permanecerá siempre en alguna magnitud asociada al mundo de la bebida y de la prostitución.

Bachata de doble sentido
Fue la bachata de cabaret la que cristalizó lo que era realmente la bachata, y la distinguió de otras formas latinoamericanas. Dentro de la bachata de cabaret, el doble sentido llegó a ser extremadamente popular, y llegó a definir el importante periodo de la década de lo 80s, cuando la bachata moderna comenzaba a tomar forma.
El doble sentido ha estado omnipresente en la música latinoamericana por todo el periodo del cual tenemos registros. Los artistas de todos los géneros y todos los niveles de aceptación social, desde el Trío Matamoros, el Tatico Henriquez hasta Johnny Ventura, utilizaron el doble sentido en las canciones que hoy son consideradas clásicos. Incluso las canciones de niños como “Arroz con leche” tienen un Segundo significado, el cual es sexual. Sin embargo, combinado con la ya negativa percepción de la bachata por la clase media dominicana, el doble sentido provocó torrentes de críticas de toda proporción a su impacto real – al mismo tiempo que hizo a la bachata más popular que nunca antes.
De hecho los bachateros grabaron canciones con doble sentido que escaparon a la crítica pública durante varios años— La “Receta del Curandero” de Cuco Valoy, “La gorra no se me cae” de Blas Durán y el “Vamos a colarlo” de Edilio Paredes’ “Vamos a colarlo” son algunos ejemplos entre otros.
El primer bachatero que se especializó más o menos en tales canciones fue Mariano Duarte, quien tuvo un éxito modesto con una canción llamada “El paquete”; pero el doble sentido explotó en la década de los 80s, comenzando con
“El salón” de Julio Ángel (1982), a la que se referían comúnmente como “El pajón”.
En El Salón de Julio Ángel, el cabello de sus clientas no es el cabello sobre su cabeza, el peine no es un peine, etc. La canción fue un éxito más allá del público normalmente limitado para la bachata, y con el éxito de “El Pajón” otros bachateros comenzaron a hacer grabaciones exclusivamente de doble sentido. Entre ellos se encontraba Tony Santos, cuyos LPs eran de doble sentido de principio a fin. Las técnicas del doble sentido incluían la sustitución de una palabra que sonaba como otra (en “El pajón” por ejemplo, peine, es usado para referirse al pene); la aglutinación de palabras para formar otras palabras (como la canción de Tony Santos, “Mamá me lo contó”, que de manera suficiente quiere decir que mama me habló de esto, a menos que usted logre escuchar “mamamelo con tó”, que significa chuparlo con todas tus ganas); y el uso de la rima que prepara a los oyentes para escuchar una asociación asombrosa, pero llegado el momento para la otra mitad de la rima y la sustituye por una palabra diferente. Junto a Tony Santos, Julio Angel, y Teodoro Reyes, muchos bachateros grabaron canciones de doble sentido, y llegaron a ser más comunes a medida que la década avanzaba, hasta que la moda alcanzó su cumbre en el nacimiento de la bachata moderna con Blas Durán en 1987.
Irónicamente el bachatero más despreciado por el grupo mayoritario y al mismo tiempo la primera súper estrella de la bachata, Blas Durán, fue el rey indiscutible del doble sentido. Él fue también el pionero, junto con su guitarrista Jesús Martínez, del estilo de la bachata que escuchamos hoy en día. Cerca a la década de los 80s, Blas ya se había establecido una fama tanto como uno de los cantantes mejores conocidos de la bachata de cabaret como un cantante de merengue. Había estado haciendo grabaciones desde 1966, y los arreglos de su guitarra principal eran por lo general hechos por su primo Edilio Paredes. En los 80s Blas se unió con Tony Santos y Julio Ángel como compositor de doble sentido, pero desde el comienzo y en adelante tenía planes de hacer que la bachata sea más sencilla y más bailable. Muchas bachatas de doble sentido son muy sinceras tanto melódica como armónicamente, tomando su señal de canciones como “El huevero” de Blas; en 1986 él grabó “El motorcito”, la primera bachata en el nuevo estilo en usar una guitarra eléctrica, y en 1987 nació la bachata moderna con el lanzamiento de “Consejo a las mujeres” de Blas.
“Consejo a las mujeres” (por lo general referido como “Mujeres hembras”) fue un éxito en una escala de la cual no se escuchó previamente en la bachata, la primera vez que todos los sectores de la sociedad dominicana fueron forzados a escuchar la bachata debido a su popularidad sin precedentes. Existieron muchas razones para el éxito de la canción. La esencial fue el uso de la guitarra eléctrica, una innovación que dejo permanentemente su marca en el género – desde principios de la década de los 90s ningún bachatero comercialmente significante grabó con requinto acústico. La canción de hecho no era una bachata, sino un merengue, y Durán la cantaba con una energía y confianza que estaba en contraste con los otros bachateros del periodo (aunque Durán había tenido siempre un estilo descarado. Fue también la primera bachata en ser grabada en varias pistas, ya que se opuso a ser grabada en vivo en un solo canal; todos estos factores se añadieron a un éxito comercial masivo. La formula fue por supuesto copiada por muchos a la vez, y los otros pioneros del estilo moderno, Luís Vargas y Anthony Santos, comenzaron sus carreras interpretando canciones de doble sentido. Hubo un periodo cuando los bachateros que no habían cantado nunca doble sentido comenzaron a grabarlo, cantantes como Ramón Cordero, Edilio Romero Santos y Marino Pérez.
Debido a su gran éxito, Durán y el doble sentido en general llegaron a ser un relámpago para los sectores principales de la sociedad disconformes con la bachata. La cultura dominicana en todos los niveles de clase está llena de referencias sexuales y doble sentido, tanto en conversaciones como en la música de artistas tan bien aceptados como Johnny Ventura y Juan Luís Guerra. En el caso de la bachata sin embargo, esta provocó una protesta casi puritana en la prensa y entre las clases medias. Uno puede encontrar incluso muchos bachateros que comenzarán una conversación criticando a Blas Durán antes de admitir eventualmente que le gusta su música. Musicalmente, el periodo del doble sentido (alrededor de 1982-1992) fue ciertamente uno de los más importantes en la historia del género; los tempos y el ritmo cambiaron, la instrumentación cambió, y la bachata comenzó a alcanzar una audiencia mucho más amplia. Incluso, aunque Luis Segura y José Manuel Calderón, cantantes que nunca cantaron con doble sentido, son reverenciados como figuras seminales en la bachata, Blas Durán y Tony Santos están casi olvidados.

musica y bailes tipicos domincanos

Música Y Bailes dominicanos
Caminando por las calles de la República Dominicana, los visitantes notarán con toda seguridad afiches hechos a mano que cuelgan de las casetas de teléfonos, promoviendo e invitando a una noche de merengue o bachata en un lugar cercano. Continúa caminando y no tarda mucho en descubrir que la música funciona como la pista de sonido de un país y su gente, que suele ser escuchada retumbando desde vehículos, tiendas, restaurantes y casas. Luego del atardecer, el pulso del ritmo llena el aire de vida e invita a residentes y turistas por igual, hacia los salones de baile repletos de gente en los clubes nocturnos más excitantes del mundo. Los dominicanos ven el baile como un arte y sienten orgullo al compartir sus exóticos movimientos con los demás. Salsa, Jazz Latino, y otros tipos de música bailable, son escuchados en el país, pero nada tan popular como el merengue y su similar, la bachata.

La República Dominicana, lo que es hoy el país de los dominicanos, se inserta en la historia de los demás pueblos del Universo, a partir del descubrimiento de América. La civilización europea entra al Nuevo Mundo por Santo Domingo, como hubo de llamársele por su histórica ciudad, y desde allí parten los grandes nombres de la conquista a repartir la historia de lo que es hoy.Los nucleamientos aborígenes que habitaban la isla, que Cristóbal Colón llamó Hispaniola eran los más importantes y adelantados en aquella civilización, en ciernes que componían las que fueron llamadas Las Antillas. Sobre esta plataforma propicia, el interés y esfuerzo de La España, integran la primera sociedad del nuevo continente descubierto y a la asimilación de los esclavos negros se conforma una conjugación de culturas cuyas primeras expresiones, cumplidos los procesos de síntesis en el tiempo, alumbran en Santo Domingo, las nacientes notaciones de una cultura diferente, ya no española, aborigen o africana, sino de características particulares :La cultura criolla… Dominicana. Este proceso no se produjo en el resto de las Antillas, donde las segmentaciones raciales impidieron una mezcla temprana, retardando el encuentro con lo que debían ser las expresiones de auténtica factura local de cada pueblo.

Baile típico en las ruinas de San Francisco
Nuestros aborígenes, que no conocían la escritura, expresaban su historia, sus rituales religiosos o sus festividades con cantos que llamaban Areítos, esto plantea disposiciones a la memorización y habilidades a la vocalización y baile cuya integración a la cultura española, de riqueza y elegancia histórica rotunda y a la fuerza rítmica y telúrica de las africanas, devino en lo que es hoy el cuadro multicolor de la cultura musical dominicana.

Perico Ripiao y bailarines en las ruinas de San Francisco
La gloria de ser el primer pueblo que logra sintetizar una expresión eminentemente criolla en el Nuevo Mundo, pertenece a los dominicanos.
Las hermanas Teodora y Micaela Ginez, de Santiago de los Caballeros, pueblo de espléndidos creadores, en el corazón del Cibao, que tanto oro y riqueza dio a las Españas; negras, esclavas, tocadoras de Bandola y Vihuela, con músicos e instrumentas de las Europas, lo que confirma el abrazo de culturas, establecen en edad tan temprana en estas mundos, 1580, un nuevo ritmo, creado y cultivado en el vientre dominicano, y lo insertan en el fértil espíritu del pueblo cubano, cuando emigran hacia Santiago de Cuba y llevan en su equipaje el naciente ritmo del Son, que los cubanos virtualmente han hecho suyo y han convertido en expresión espléndida de su gran espíritu creador.
“El Son de la Ma. Teodora”, la expresión que la tradición ha conservado de aquellos tiempos, no marca solamente el nacimiento del Son, sino el punto de partida en este nuevo mundo de la música popular como expresión criolla creada por los dominicanos, que eslabona en esa secuencia al canto cubano y evidencia la espléndida riqueza y las disposiciones naturales de un pueblo musicalmente creador, como sigue siendo el alma y la gente del hermoso país dominicano.

La güira
Las experiencias creadoras de los dominicanos no se remiten solamente al campo de lo musical, los cronistas recogen con propiedad lo que fue todo un proceso de transformación y adaptaciones de instrumentos heredados de culturas integradas, como el cuatro y el tres en el caso de instrumentos de cuerdas, la incorporación de la tambora, aporte de la cultura africana y del güiro, instrumento de los aborígenes, variedad de calabazo rayado, para citar algunos ejemplos.
Ninguno de los pueblos antillanos conoció la tambora y su golpe ancestral es privilegio del conocimiento sólo de los dominicanos.
La tambora se debe a su peculiar sonido a que de un lado tiene piel de chivo viejo templada con ron criollo y del otro, piel de chiva joven que no haya parido.
Comienzan a establecerse las diversas nociones musicales, que vinieron madurando en el proceso del tiempo en el alma dominicana con fuerza de auténtica y definitiva identidad. La música que representaba la nación dominicana. Bolero Las primeras alusiones a un bolero que se va distanciando del baile español, aparecen en 1809, en los escritos de William Walton; luego en 1856, el periódico “El Eco del Pueblo” publica con el seudónimo “Presago”, unos versos donde habla clara y rotundamente de la presencia del bolero en Santo Domingo :
De el Ozama la corrienteun ligero barco hendíay reinaba la alegría su bordo entre la gente.En la popa de la naveun gallardo marinerocantaba alegre un bolero.
Es claro que ese bolero no tiene ataduras coreográficas con el bolero español, las ha rebasado. Ninguna de las demás Antillas tenían en ese momento un bolero con esas características. Un bolero sólo para ser cantado. El bolero cubano aparece unos 30 años más tarde.Carabiné
Ritmo heredado de la cultura europea y modificado en la variante criolla.Criolla
Media-Tuna ya está presente cuando aparecen en el ambiente dominicano las Barcarolas. De ritmo muy cercano a la Criolla, parecen ir aproximándose y fundiéndose, sobre todo por el hecho de que una es la expresión romántica del campo, la Media-Tuna y la Criolla, cuyo antecedente es la Barcarola, la expresión romántica de la bohemia citadina. Inicialmente aparecieron las Barcarolas criollas, que finalmente determinaron el género, todavía presente, de la romántica criolla. Al igual que otros ritmos creados por los dominicanos, este género también se diseminó por casi toda el área del Caribe. La Salve
Llega con la conquista como ritual religioso, que luego pasa a las manos del pueblo. Se convierte en el proceso, en expresión religioso popular y finalmente en música popular, sin perder su esencia religiosa.Mangulina
Antigua expresión de la música dominicana, su ritmo lleno de vivacidad y gracia parece derivarse del zapateado español. Merengue

Baile típico en las ruinas de San Francisco
El Merengue sintetiza el alma musical dominicana. Es la expresión integrada de nuestras culturas ancestrales, donde lo aborigen, expresado en el güiro; lo africano, en la tambora y lo europeo, expresado en el acordeón, introducido por los comerciantes alemanes a fines del siglo pasado, sustituyendo el cuatro y adaptado con genialidad por nuestros músicos folklóricos, determinan un gráfico abrazo, una viva y rotunda síntesis de nuestras esencias culturales.
Pambiche
Variante más lenta del merengue, afectando el golpe de la segunda tambora, creado por nuestros músicos en el segundo decenio del siglo para adecuar las deficiencias y adaptación de los bailadores no dominicanos.Sarambo
Comprendido este ritmo entre modalidades coreográficas como el guarapo, la yuca, el callao, todas variantes del zapateo español, lo que confiesa su herencia antigua, sus expresiones cantadas han llegado hasta nuestros días, situándola en el repertorio de la música popular de hoy.